Categoría: Mil Mesetas

  • HOLTON ROWER – SUGESTIVAS Y FASCINANTES GOTAS DE COLOR

    HOLTON ROWER – SUGESTIVAS Y FASCINANTES GOTAS DE COLOR

     

    El amor no encuentra su sentido en el ansia de cosas ya hechas, completas y terminadas, sino en el impulso a participar en la construcción de esas cosas.

    Zigmut Bauman


    HOLTON ROWER

    No queremos entrar en la controversia por el arte. Lo hemos hecho anteriormente con otras manifestaciones culturales. Pero en este caso concreto, solo nos interesa la experiencia estética. El simple goce de la belleza formando patrones inesperados, escurriéndose tranquilamente y dejando tras de sí las múltiples huellas del color.

    Holton Rower, artista nacido en New York en 1962, es el autor de estas magníficas piezas. Hipnotizantes, singulares y hermosas.

    Vale la pena no sólo contemplar el «producto terminado», sino también su fascinante proceso de creación (diríamos que resulta incluso mucho más gratificante).

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    Holton Rower Tall painting contemporary art readymade psychedelic mesmerizing colorful random beautiful painting patterns
    Holton Rower©
    Holton Rower Tall painting contemporary art readymade psychedelic mesmerizing colorful random beautiful painting patterns
    Holton Rower©
    Holton Rower Tall painting contemporary art readymade psychedelic mesmerizing colorful random beautiful painting patterns
    Holton Rower©
    Holton Rower Tall painting contemporary art readymade psychedelic mesmerizing colorful random beautiful painting patterns
    Holton Rower©

    EL ARTE COMO ACONTECIMIENTO

    En su texto «Contra la interpretación», Susan Sontag nos revela un rostro mucho menos amable de lo que tradicionalmente hemos comprendido como crítica, interpretación o hermenéutica del arte.

    En algunos de los ensayos que lo componen, la problemática parece estar relacionada con un exceso o una hipersaturación de la interpretación. Como si la obra de arte no pudiese tener valor por sí misma, dentro de sus límites. Como producción y acontecimiento.

    Como si el valor de la obra solo pudiese ser medido y cotejado en relación exclusiva con su contenido, y no en relación con su ejecución o su estilo.

    Y entonces, al observar la obra de Holton Rower, uno podría pensar que no existe precisamente ninguna trascendencia detrás del mero acontecimiento, del simple azar de «echar pintura» y esperar a que los patrones formados nos resulten «bellos». Como si el simple resultado de una belleza producto del azar alejara a la obra del valor intrínseco de algo que no pretende complejidades sino ACONTECIMIENTOS.

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    Holton Rower Tall painting contemporary art readymade psychedelic mesmerizing colorful random beautiful painting patterns
    Holton Rower©

    En lugar de una hermenéutica, necesitamos una erótica del arte

    Susan Sontag – Contra la interpretación

    Holton Rower Tall painting contemporary art readymade psychedelic mesmerizing colorful random beautiful painting patterns
    Holton Rower©

    En lugar de una hermenéutica, necesitamos una erótica del arte

    Susan Sontag – Contra la interpretación

    LA ERÓTICA DEL ARTE

    Si nos alejamos por un momento de la intención de «interpretar» la obra, ¿qué nos queda entonces?

    La respuesta es bastante simple: Disfrutar del acontecimiento que se produce o que la obra ejecuta por sí misma. Y en el caso particular de la obra de Holton Rower, disfrutar de la hipnotizante mezcla de los colores derramados. Dejarse llevar por el simple goce de los sentidos.

    A eso hace referencia precisamente la cuestión de la erótica del arte.

    Si bien no podemos renunciar completamente a indagar la obra y a permitir también que ésta nos interrogue desde su acontecimiento, lo que se pretende es más bien no extender la interpretación hasta un punto asfixiante. Se trata de que la interpretación (si hay lugar) actúe como una expansión de la obra misma.

    Y aún más, si la obra misma no da lugar a una hermenéutica del significado (de una cierta especie de «contenido trascendente») ejecutar entonces un ejercicio de interrogación por el estilo, por la forma (inmanente e inmediato) por lo que comúnmente se entiende como «banal» desde el momento mismo en el que no se ocupa de encontrar significados ocultos.

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    Holton Rower Tall painting contemporary art readymade psychedelic mesmerizing colorful random beautiful painting patterns
    Holton Rower©Holton Rower Tall painting contemporary art readymade psychedelic mesmerizing colorful random beautiful painting patterns

    Holton Rower©

    Holton Rower Tall painting contemporary art readymade psychedelic mesmerizing colorful random beautiful painting patterns
    Holton Rower©
    Holton Rower Tall painting contemporary art readymade psychedelic mesmerizing colorful random beautiful painting patterns
    Holton Rower©

    ¡Déjate llevar por la experiencia! Mira aquí un vídeo realizado por Dave Kaufman registrando el fascinante proceso creativo en una de las obras de Holton Rower:

    [cherry_video_preview source=»https://vimeo.com/18358025″ control=»show-on-hover» custom_class=»full-width»][/cherry_video_preview]

     

     

    #creemosenelasombro

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    Visita el sitio web de Holton Rower para ver más de sus creaciones, AQUÍ

    NOTA: “Bifrontal Editores” no es dueña de las imágenes aquí mostradas. Éstas sólo se usan con fines informativos para nuestra revista digital (revistabifrontal.com). Los créditos respectivos son debidamente anotados con el nombre del autor o autores, propietarios de todos los derechos.

  • SARAH SITKIN – LA ÚLTIMA HERIDA

    SARAH SITKIN – LA ÚLTIMA HERIDA

     

    Ahora acabados nos sentamos las noches y hacemos las cuentas
    y siempre salimos perdiendo
    (aunque aún no sepamos dónde debería estar la ganancia)
    y sin embargo hallamos los golpes parciales
    sobre todo eso: interminable en nosotros
    la última herida.

    Los perdidos (Fragmento) – Thanasis Kostavaras

     


    La carne, el pelo y las uñas -también los trapos viejos- son el resumen, la crónica anticipada de todos nuestros desastres.

    Nosotros, accidente sin remedio, vinimos a este mundo a traficar con la miseria…

    Eso a lo que llamas “cuerpo” no es más que una derrota que ya traías marcada en la frente desde el nacimiento.

    Te irán a sepultar un domingo por la tarde. Los que te conocieron y nunca te amaron. Y también la indiferencia infantil de los pájaros.

    Dejarás tus hijos al cuidado del tiempo. Y a ellos -al cabo de los días- también les va a valer madres tu recuerdo.

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    Como en una pesadilla los cuerpos de Sarah Sitkin se deshacen, se agrietan y se parten hasta una multiplicidad aberrante.
    Sarah Sitkin©
    Como en una pesadilla los cuerpos de Sarah Sitkin se deshacen, se agrietan y se parten hasta una multiplicidad aberrante.
    Sarah Sitkin©
    Como en una pesadilla los cuerpos de Sarah Sitkin se deshacen, se agrietan y se parten hasta una multiplicidad aberrante.
    Sarah Sitkin©

    Les crecerán escombros y hormigas en los ojos con el paso de los años.

    Al cabo de la muerte repetirán la misma historia: las mismas gentes con otros rostros irán a sepultarlos un domingo por la tarde…

    ¡Qué día más cabrón escogiste para morir!

    Como en una pesadilla los cuerpos de Sarah Sitkin se deshacen, se agrietan y se parten hasta una multiplicidad aberrante.
    Sarah Sitkin©

    Morir es retirarse, hacerse a un lado, ocultarse un momento, estarse quieto, pasar el aire de una orilla a nado y estar en todas partes en secreto

    Algo sobre la muerte del Mayor Sabines XII (Fragmento) – Jaime Sabines

    Esa miseria a la que llamas “cuerpo” no es más que el círculo vicioso de la muerte. Monumento itinerante que se repite diariamente en las canecas de las peluquerías.

    Las alcantarillas y los desagües llevan nuestro nombre mejor que las iglesias.

    Porque a todas partes llevamos a cuestas el desastre…

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    Como en una pesadilla los cuerpos de Sarah Sitkin se deshacen, se agrietan y se parten hasta una multiplicidad aberrante.
    Sarah Sitkin©
    Como en una pesadilla los cuerpos de Sarah Sitkin se deshacen, se agrietan y se parten hasta una multiplicidad aberrante.
    Sarah Sitkin©
    Como en una pesadilla los cuerpos de Sarah Sitkin se deshacen, se agrietan y se parten hasta una multiplicidad aberrante.
    Sarah Sitkin©

    Sarah Sitkin, artista y escultora radicada en Los Ángeles, relata con crudeza la grieta fundamental que nos compone. La perturbadora visión del «rigor mortis» exaltada hasta el punto de lo siniestro.

    Como en una pesadilla sus cuerpos se deshacen, se agrietan y se parten hasta una multiplicidad aberrante.

    No hay un solo rostro que no sea otro rostro.

    En su obra no hay una mano -un ojo- Los hay en todas partes. Repitiéndose, reproduciéndose como un virus.


    Como en una pesadilla los cuerpos de Sarah Sitkin se deshacen, se agrietan y se parten hasta una multiplicidad aberrante.
    Sarah Sitkin©
    Como en una pesadilla los cuerpos de Sarah Sitkin se deshacen, se agrietan y se parten hasta una multiplicidad aberrante.
    Sarah Sitkin©
    Como en una pesadilla los cuerpos de Sarah Sitkin se deshacen, se agrietan y se parten hasta una multiplicidad aberrante.
    Sarah Sitkin©

    Tal vez lo más importante en la obra de Sarah Sitkin sea su relación con el cuerpo como verdugo final del deseo.

    Porque allí donde crece la vida se multiplica también (en secreto) toda la muerte…

    Porque a veces en los malos sueños los cuerpos andan descubiertos. Y uno recoge sus propias entrañas en un balde de cristal para llevarlas a enterrar al cementerio.

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    Porque no es la muerte. ¡Es el cuerpo!

    El cuerpo hecho cáncer y pelos. El cuerpo-dolor de muelas y pulmones negros. El cuerpo-metástasis extirpándose a sí mismo en silencio.


    Como en una pesadilla los cuerpos de Sarah Sitkin se deshacen, se agrietan y se parten hasta una multiplicidad aberrante.
    Sarah Sitkin©
    Como en una pesadilla los cuerpos de Sarah Sitkin se deshacen, se agrietan y se parten hasta una multiplicidad aberrante.
    Sarah Sitkin©
    Como en una pesadilla los cuerpos de Sarah Sitkin se deshacen, se agrietan y se parten hasta una multiplicidad aberrante.
    Sarah Sitkin©

    Somos el cuerpo-herida que paseamos sin saberlo. El cuerpo-anarquía que nos mina desde adentro…

    Las esculturas de Sarah Sitkin nos revelan precisamente ese otro-cuerpo del que no sabemos nada. El cuerpo-enemigo, el cuerpo-equizo al margen de nosotros mismos.

    #creemosenelasombro

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    ¿Te gustó?

    Puedes ver más del trabajo de Sarah Sitkin en su Instagram

    TEXTO: @Un_Tal_Cioran

    NOTA: “Bifrontal Editores” no es dueña de las imágenes aquí mostradas. Éstas sólo se usan con fines informativos para nuestra revista digital (revistabifrontal.com). Los créditos respectivos son debidamente anotados con el nombre del autor o autores, propietarios de todos los derechos.

  • GUY LARAMEE – LA CONSTRUCCIÓN DEL TIEMPO

    GUY LARAMEE – LA CONSTRUCCIÓN DEL TIEMPO

     

    Compartimos la misma materia fugitiva del tiempo: Esa fugacidad indiferente a las trampas de la memoria.

    @BifrontalMag

    Tal vez lo más complejo de vernos reflejados en los espejos del tiempo es percatarnos de nuestra absoluta irrelevancia.

    Nuestra duración –es decir, ese lapso de tiempo que la nada ha conferido a nuestra propia existencia- es minúscula en comparación con las montañas, los ríos y los mares. Y aún así, es más escasa todavía en comparación con entidades cósmicas. Nebulosas, cuerpos celestes y artilugios de dimensiones abismales cuya naturaleza no logramos siquiera imaginar…

    Nosotros, este polvo estelar destinado a conocer una pobre grandeza que no hace más que desvanecerse en el tiempo.

    Nosotros, bestias que caminan erguidas y le temen a la muerte. Hormigas cósmicas que crearon dioses a su imagen y semejanza. Constructores de templos magníficos, artífices de civilizaciones y sabidurías destinadas al viento…

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    "Guy Laramee" "carved books" "ancient ruins" sculpture art surreal fantasy artwork dreamworld dystopian
    De la serie “Bibl Sanctaïdd” – Guy Laramee©
    "Guy Laramee" "carved books" "ancient ruins" sculpture art surreal fantasy artwork dreamworld dystopian
    De la serie “Atlas” – Guy Laramee©
    "Guy Laramee" "carved books" "ancient ruins" sculpture art surreal fantasy artwork dreamworld dystopian
    De la serie “El amor por las montañas nos salvará” – Guy Laramee©
    "Guy Laramee" "carved books" "ancient ruins" sculpture art surreal fantasy artwork dreamworld dystopian
    De la serie “Guan Yin” – Guy Laramee©

    ¿Qué nos queda entonces?

    ¿Hay algún sentido en lo transitorio?

    ¿La lógica de esta irrelevancia no esconde en sí misma la semilla de toda autodestrucción?

    Tal vez lo más importante de esta absoluta indiferencia cósmica no consiste más que en la simplicidad de la existencia.

    Saberse de antemano condenado al olvido le confiere una extraña dignidad a la brevedad de la vida…

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    "Guy Laramee" "carved books" "ancient ruins" sculpture art surreal fantasy artwork dreamworld dystopian
    De la serie “The Great Wall” – Guy Laramee©
    "Guy Laramee" "carved books" "ancient ruins" sculpture art surreal fantasy artwork dreamworld dystopian
    De la serie “The Great Wall” – Guy Laramee©
    "Guy Laramee" "carved books" "ancient ruins" sculpture art surreal fantasy artwork dreamworld dystopian
    De la serie “The Great Wall” – Guy Laramee©
    "Guy Laramee" "carved books" "ancient ruins" sculpture art surreal fantasy artwork dreamworld dystopian
    De la serie “The Cave” – Guy Laramee©

    Muchos consideran incluso que ante la muerte (y sabemos bien que este “límite” no tiene escapatoria) nada tiene importancia.

    Pero es tal vez por eso mismo, porque existe la muerte, que lo único relevante y verdaderamente importante que nos queda como sujetos destinados a perecer en los bordes de la irrealidad no sea otra cosa que el arte: vehículo del asombro primordial y santuario de la breve alegría.

    ¿Valdría la pena, acaso, andar viviendo sin leer siquiera alguna vez a Borges?

    Tal vez, en el fondo mismo de la existencia todo tenga sentido simple y llanamente por maravillarse un día ante Bach, Beethoven o Chopin.


    "Guy Laramee" "carved books" "ancient ruins" sculpture art surreal fantasy artwork dreamworld dystopian
    De la serie “Serra Gaucha” – Guy Laramee©
    "Guy Laramee" "carved books" "ancient ruins" sculpture art surreal fantasy artwork dreamworld dystopian
    De la serie “Petra” – Guy Laramee©
    "Guy Laramee" "carved books" "ancient ruins" sculpture art surreal fantasy artwork dreamworld dystopian
    De la serie “The Great Wall” – Guy Laramee©
    "Guy Laramee" "carved books" "ancient ruins" sculpture art surreal fantasy artwork dreamworld dystopian
    De la serie “Atlas” – Guy Laramee©

    El arte mismo no es ninguna salvación porque la muerte tampoco es una condena…

    Tal vez el arte no es más que una forma de la alegría. La más inmanente. La más imprecisa. La más leve.

    El arte como burla ante los espejos del tiempo. Aquello que no pide durar más allá de sí mismo. Lo más alto y también lo mejor que ha dado de sí la humanidad.

    Guy Laramee, artista multidisciplinar de origen canadiense, crea estas asombrosas esculturas a partir de libros. Una hermosa metáfora acerca del tiempo. Una crítica a la disolución de la cultura en manos del “progreso”. Una manera de oponer la memoria ante los estragos del tiempo…

    ¡Disfruta su obra!


    Mira el vídeo realizado para la obra “Adieu”, obra con la que Guy Laramee realiza una especie de tributo ante la inevitable cancelación de la “Enciclopedia Británica”…

    https://vimeo.com/82507102

    Si quieres conocer más de su obra, visita su sitio web AQUÍ


    NOTA: “Bifrontal Editores” no es dueña de las imágenes aquí mostradas. Éstas sólo se usan con fines informativos para nuestra revista digital. Los créditos respectivos son debidamente anotados con el nombre del autor o autores, propietarios de todos los derechos

  • ELENA COLOMBO – «LA MEMORIA DEL FUEGO»

    ELENA COLOMBO – «LA MEMORIA DEL FUEGO»

     

    El amor, la muerte y el fuego han sido unidos en el mismo instante. La muerte total y sin residuo es la garantía del paso al más allá. En el seno del fuego, la muerte no es la muerte.

    G. Bachelard – Psicoanálisis del Fuego


    Es en el símbolo, o a través del símbolo, como ingresamos a la civilización.

    Interpretamos, interpelamos a la naturaleza y encontramos primero el asombro. Y al asombro le siguió un interrogante. Un no-saber que fue también la génesis o el deseo de un querer saber.

    Y en medio del asombro y la ignorancia primitiva encontramos también una correspondencia vital. La reiteración de una naturaleza que se repite como un ciclo.

    El eterno retorno del nacimiento y la muerte, de la primavera, el verano, el otoño y el invierno. La repetición de las generaciones, y el agua que fue hielo y luego nube, y fue agua nuevamente.

    A la repetición incesante de los ciclos exteriores le correspondía también una repetición que se desarrollaba -silenciosa- en la génesis misma del cuerpo.

    El niño que nace de una madre y después, al cabo de los años, vuelve a la tierra o al fuego -como madres finales y definitivas-.

    La semilla que crece. Y el cadáver del árbol que cae a la tierra…

    La piedra tallada con la paciencia indiferente del agua.

    Los desiertos que se multiplican y nunca son los mismos bajo el capricho del viento.

    El relámpago que se hizo fuego y después nos dio cobijo, luz, calor y alegría…

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    "Fire features" "by Elena Colombo" "interior design" "contemporary architecture" decoration "decorative fireplace"
    “Fire Features” – Elena Colombo©
    "Fire features" "by Elena Colombo" "interior design" "contemporary architecture" decoration "decorative fireplace"
    “Fire Features” – Elena Colombo©
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    “Fire Features” – Elena Colombo©
    "Fire features" "by Elena Colombo" "interior design" "contemporary architecture" decoration "decorative fireplace"
    “Fire Features” – Elena Colombo©

    El símbolo fue también ese punto extremo en el que nos separamos de la naturaleza. La frontera entre la animalidad y el lenguaje. La división fundacional de la cultura.

    El símbolo se hizo Prometeo regalando el fuego a los hombres. A las bestias que ya no eran, porque en el fuego encontraron también el signo de una razón que los apartó tajantemente de la naturaleza. De la existencia simple e indiferente de los demás animales.

    Es en la historia del fuego donde descansa el mito fundacional de la cultura.

    Alrededor del fuego nacieron los dioses. Lo profano y lo sagrado. La ley y los saberes.

    Al fuego sagrado se le ocultó en los templos, signo de un pacto entre lo divino y lo humano.

    Y el fuego fue símbolo porque unía y transformaba. Porque creaba y aniquilaba. Porque daba vida a algo nuevo y consumía al mismo tiempo lo que se consideraba obsoleto. Porque purificaba. Porque entregaba la luz y prestaba claridad cuando todo estaba oscuro.

    Para la alquimia -maestra por excelencia en el arte de los signos- el fuego constituía el elemento primordial, principio activo de cualquier transformación de la materia.

    Porque la transformación era -precisamente- la clave que contenía y descifraba todos los demás símbolos, detrás de los cuales se ocultaba el verdadero conocimiento de la naturaleza: La repetición y la correspondencia…

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    "Fire features" "by Elena Colombo" "interior design" "contemporary architecture" decoration "decorative fireplace"
    “Fire Features” – Elena Colombo©
    "Fire features" "by Elena Colombo" "interior design" "contemporary architecture" decoration "decorative fireplace"
    “Fire Features” – Elena Colombo©
    "Fire features" "by Elena Colombo" "interior design" "contemporary architecture" decoration "decorative fireplace"
    “Fire Features” – Elena Colombo©
    "Fire features" "by Elena Colombo" "interior design" "contemporary architecture" decoration "decorative fireplace"
    “Fire Features” – Elena Colombo©
    "Fire features" "by Elena Colombo" "interior design" "contemporary architecture" decoration "decorative fireplace"
    “Fire Features” – Elena Colombo©

    Detrás del fuego -como símbolo, y también como principio- se ocultó también lo que sólo aquellos «iniciados» (los verdaderos convocados del asombro) lograron entender a través del velo de lo rutinario: El conocimiento de la naturaleza es, por correspondencia, el conocimiento de sí mismo.

    Quien conoce la naturaleza sabe cómo transformarla. Y así, quien se conoce a sí mismo sabe cómo transformarse…

    Elevarse por encima de sus propias condiciones. Por encima, incluso, de sus propias limitaciones.

    No hay nada «sobrenatural» detrás de los símbolos. Detrás de ellos sólo habita el interrogante de un asombro que busca saber. Que quiere conocer la maquinaria que mueve al universo…

    Así, el fuego es entonces el símbolo de todo símbolo.

    La llama que ilumina y transforma. La que convoca y la que crea. La que disipa la sombra. La que nos hace uno y nos fragmenta.

    El fuego, legendario y magnífico, es la presencia fundamental en la obra de la arquitecta Elena Colombo.

    Una integración perfecta entre la majestad, el poder y la belleza.

    TAL VEZ QUIERAS LEER: Javier Senosiaín – La hermosa utopía


    "Fire features" "by Elena Colombo" "interior design" "contemporary architecture" decoration "decorative fireplace"
    “Fire Features” – Elena Colombo©
    "Fire features" "by Elena Colombo" "interior design" "contemporary architecture" decoration "decorative fireplace"
    “Fire Features” – Elena Colombo©
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    “Fire Features” – Elena Colombo©
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    “Fire Features” – Elena Colombo©
    "Fire features" "by Elena Colombo" "interior design" "contemporary architecture" decoration "decorative fireplace"
    “Fire Features” – Elena Colombo©

    #creemosenelasombro

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    Visita el sitio web de Elena Colombo AQUÍ

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  • «INSTALACIÓN» – SIGNO, LÍNEA DE FUGA Y TRANSFORMACIÓN

    «INSTALACIÓN» – SIGNO, LÍNEA DE FUGA Y TRANSFORMACIÓN

     

    Es hacia el medio como se establece una relación que desborda los límites del sujeto. Hasta el punto que éste se ve incorporado al objeto como si el resultado no fuera más que una «maquinaria demente»

    @BifrontalMag


    Ignoramos todavía lo que puede un espacio.

    Un lugar que es también un cuerpo.

    Una extensión que comunica y que es comunicada.

    Que habla y es hablada. Dice y es dicha.

    Es el cuerpo de uno el que habla con el espacio. Es el cuerpo -nuestra «res extensa»- lo que es sometido al encuentro de una pasión.

    Y es el cuerpo también el que resulta atravesado por una intensidad incorporal.

    Un efecto en la superficie de la piel y en la profundidad de las entrañas. Y los ojos, y los pies, y las uñas y el pelo.

    Ignoramos todavía lo que significamos cuando decimos: «Este es mi espacio», o «este lugar me da paz».

    Y luego están las modificaciones del espacio.

    Hay lugares vacíos; y los hay llenos también.

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    "MyeongBeom Kim" "Untitled - Tree and Ballons" "Artistic Installation" "Urban intervention" streetart "Contemporary art" "Modern art" museum gallery exhibition
    “Sin título. Árbol, globos” – Instalación: MyeongBeom Kim©
    "Mario Ceroli" "Maestrale" "Artistic Installation" "Urban intervention" streetart "Contemporary art" "Modern art" museum gallery exhibition
    “Maestrale” – Instalación: Mario Ceroli©
    "Doris Salcedo" "1550 Chairs Stacked" "Artistic Installation" "Urban intervention" streetart "Contemporary art" "Modern art" museum gallery exhibition
    “1550 Chairs Stacked Between Two City Buildings” – Instalación: Doris Salcedo©
    "Olafur Eliasson" "Riverbed" "Artistic Installation" "Urban intervention" streetart "Contemporary art" "Modern art" museum gallery exhibition
    “Riverbed” – Instalación: Olafur Eliasson©

    "Henrique Oliveira" "Plywood Tumors" Artistic Installation" "Urban intervention" streetart "Contemporary art" "Modern art" museum gallery exhibition
    “Plywood Tumor Installations” – Henrique Oliveira©

    Espacios cerrados donde la luz no tiene cabida (la misma luz que también es un cuerpo en comunicación). Y existen plazas inmensas, o edificios gigantescos donde se puede sentir la extraña irrelevancia del cuerpo propio.


    La instalación, como objeto del arte, inquieta el cuerpo del espacio e interroga también al cuerpo propio.

    Una grieta en lo habitual, lo conocido. Alteración profunda de todos los significantes propios de un lugar. Modificación sustancial de la luz, la sombra, el color, las texturas y los ecos.

    Una instalación, como objeto del arte, supone también un encuentro que produce o propone -desterritorializándolo- un estallido del sentido. Y en sus fragmentos, dispone nuevos territorios para echar a andar el deseo y el goce.

    No es más que perdiéndonos en el panorama dispuesto por la instalación -en un espacio- como accedemos o somos sobrepuestos a una línea de fuga.

    La desintegración de lo habitual sobre la cual todo queda por construir, por resignificar, por rebuscar y reencontrar.

    La instalación, como objeto del arte, no es precisamente un escultura, aún cuando ambos objetos recurren a manifestaciones y disposiciones «similares» en relación con el contexto de un espacio.

    Ambos objetos hablan de la luz y de la sombra. De los volúmenes y la extensión. De las texturas y una disposición determinada dentro del espacio -y del espacio mismo-.

    Queda la pregunta: si una instalación no es una escultura, ¿qué es entonces?

    Uno podría pensar que la escultura es un «cerramiento». Existe como pieza tallada en la madera, esculpida en la piedra o fundida en el bronce. Pero hay una limitación clara entre el afuera (escultor – espectador) y el adentro (escultura como objeto «de sí» en un espacio).

    La instalación -por su parte- desborda la frontera del adentro y el afuera; y existe (o subsiste) en el puro devenir.

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    "Derick Melander" "The Painful Spectacle of Finding Oneself" "Artistic Installation"  "Urban intervention" streetart "Contemporary art" "Modern art" museum gallery exhibition
    “The Painful Spectacle of Finding Oneself” – Instalación: Derick Melander©
    "Emilio Ambasz" "Residence au Lac" "Artistic Installation" "Urban intervention" streetart "Contemporary art" "Modern art" museum gallery exhibition
    “Residence au Lac” – Emilio Ambasz©
    "Baptiste Debombourg" "Aérial" "Artistic Installation" "Urban intervention" streetart "Contemporary art" "Modern art" museum gallery exhibition
    “Aérial” – Instalación: Baptiste Debombourg©
    "Adam Kalinowski" "The dream city" "Artistic Installation" "Urban intervention" streetart "Contemporary art" "Modern art" museum gallery exhibition
    “The dream city” – Instalación: Adam Kalinowsk

    El itinerante (el espectador) parece sumergido -diluido- en los objetos, las formas y los cuerpos que la componen, o mejor, de los que está compuesta. Incluido el espacio mismo.

    No hay un cerramiento.

    Y habría que entender entonces que este cerramiento no se define como «clausura», sino más bien como «tabú» entre el objeto y el sujeto. Distancia cognitiva entre el sujeto y su afuera.

    Una instalación no es un adentro puesto que tampoco subsiste ningún afuera.

    Es hacia el medio como se establece una relación que desborda los límites del sujeto. Hasta el punto que éste se ve incorporado al objeto como si el resultado no fuera más que una «maquinaria demente». Una metamorfosis donde la identidad -como catálogo de una personalidad- acaba por resultar irrelevante.

    La instalación, como objeto del arte, tiene una relación mucho más profunda con la arquitectura que con la escultura.

    Está más cerca de la creación de un espacio (como no-lugar) que de la forma cerrada propia de un objeto.

    Subsiste en el puro devenir porque no «es» dentro de un espacio sino que, por paradójico que parezca, sucede -o acontece en sí misma- como un espacio (un no-lugar) que no deja de escapar a los límites de las fronteras objetivas del punto y la línea.


    Sin embargo, a diferencia de lo que sucede con la arquitectura, el no-lugar de la instalación no es un espacio que preceda al sujeto.

    "Megx" "Lego Bridge" "Artistic Installation" "Urban intervention" streetart "Contemporary art" "Modern art" museum gallery exhibition
    “Lego Bridge” – Intervención Urbana: Megx©

    No se puede vivir en ella. Ni trabajar. Mucho menos estudiar, orar o realizar transacciones de bolsa.

    Por eso mismo acontece como un no-lugar.

    La instalación sucede como punto de fuga de una transformación.

    La metamorfosis no sucede solamente en el lugar en el que la instalación «aparece» como acontecimiento, sino también que es padecida por el sujeto que la atraviesa y es -al mismo tiempo- atravesado por ella.

    Lo transformación resultante es precisamente ese encuentro en el que se diluyen la obra y el espectador y sobreviene entonces el sentido como signo de una pregunta por resolver.

    ¿Qué es esto que también soy yo?

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    #creemosenelasombro

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  • GIACOMO CARMAGNOLA – LA DISOLUCIÓN DE LO FIGURATIVO

    GIACOMO CARMAGNOLA – LA DISOLUCIÓN DE LO FIGURATIVO

     

    Si el concepto “Arte” es obsoleto no lo es precisamente porque el fenómeno de “lo artístico”  -la creación plástica- haya desaparecido.

    «Glitch» – Revisitando la muerte del arte


    Ya en otra ocasión tuvimos la oportunidad de presentar brevemente el trabajo de Giacomo Carmagnola.

    Pero todavía queda en nuestra memoria la huella de una «bomba de napalm». Un estallido de asombro frente al trabajo de este artista. Un nómada de la belleza construida desde el fragmento, desde la súbita perfección de la fragilidad de lo que hemos dado en llamar «Lo real».

    Esperamos que disfrutes su trabajo tanto como nosotros.


    NOTA: Esta entrevista a Giacomo Carmagnola, fue concedida en abril de 2016 a Carly Schesel para el portal CONSTRUCTED BY©. 

    “Revista Bifrontal” realiza su traducción y reproducción con fines netamente informativos.


    CONSTRUCTED BY: ¿Quién eres y qué haces?

    GIACOMO CARMAGNOLA: Mi nombre es Giacomo Carmagnola, vivo en Montebelluna (Treviso, cerca de Venecia. Aunque Venecia suena más «fashion»), en Italia.

    Tengo veintitrés años y soy un estudiante universitario de comunicación y multimedia gráfica.

    ¿Lo que hago? Me gusta llamar a mis obras de arte como «collages» glitch. Trato de recrear imaginarios utilizando una combinación de patrones y fotografías más o menos vintage. No creo que mi trabajo artístico puede definirse exclusivamente dentro del campo del «Glitch Art». Son más bien collages donde intento de aprovechar el error de la apariencia.

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    “PRK Mirror Version” – Giacomo Carmagnola©
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    “Vivo in una città morta” – Giacomo Carmagnola©
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    “CWM” – Giacomo Carmagnola©

    CB: ¿Cuál es tu medio preferido?

    GC: Sin lugar a dudas, mi medio favorito es el Internet. Gracias a Internet puedo encontrar mucha información en el menor tiempo posible, conocer a otras personas y fuentes de inspiración. Lo mismo sucede con los libros, pero de un modo más lento y engorroso. Mi «ojo» se formó gracias a las miles de imágenes que veo navegando por Internet.

    CB: ¿De dónde obtienes la inspiración para tu trabajo?

    GC: Mi inspiración depende del tipo de obra que creo. En muchos casos, cuando tienden a tener un componente macabro, supongo que la inspiración llega involuntariamente de películas, y cómics de terror que he leído desde que era un niño. En otros casos, ni siquiera sé de dónde viene. Muchas veces dejo que mis ojos me guíen a la hora de realizar mi trabajo.

    CB: ¿Cuál es tu proceso creativo?

    GC: Mi proceso creativo no tiene una base estable. A veces tengo una idea, y trato de volver a crearlo mediante la búsqueda de fotos y todo. Otras veces, accidentalmente veo una fotografía y me imagino el trabajo ya realizado. Así que empiezo a trabajar.

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    “ORN” – Giacomo Carmagnola©
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    “Woop-Woop” – Giacomo Carmagnola©
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    “aKILLER’s Death” – Giacomo Carmagnola©

    CB: ¿Existe algún tema / mensaje / emoción específica que pretendas evocar?

    GC: Soy un artista que varía mucho, incluso en los temas. En algunos casos hay piezas que sólo pueden ser vistas como imperfecciones, y otras utilizan imágenes socialmente fuertes para aumentar su impacto. La fotografía en sí misma ya existe, sólo añado los detalles que posiblemente puedan hacer que sea aún más fuerte de lo que ya es.

    CB: ¿Qué es lo que te motiva a crear continuamente?

    GC: Lo que me lleva a continuar con mi trabajo es la pasión misma de su creación. Cuando creo una obra me sumerjo totalmente durante horas, o el tiempo que tome el proceso. El resto del mundo desaparece. Sólo estamos «yo» y lo que quiero lograr como impacto final. Por un lado es un juego, pero por otro es una especie de «medicina» para escapar de mis pensamientos.


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    “It goes – it goes – it goes” – Giacomo Carmagnola©
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    “REDRUM” – Giacomo Carmagnola©
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    “Saigon” – Giacomo Carmagnola©

    CB: ¿Cuando te enfrentas a un bloqueo creativo, qué haces para sobreponerte?

    GC: Esta es una buena pregunta. Cuando tengo un bloqueo artístico simplemente dejo que el tiempo fluya, pensando que tarde o temprano habrá algo que me pueda dar una nueva idea para desarrollar. Por desgracia, no tengo una estrategia contra el bloqueo. Tengo que confiar en la paciencia, algo que es bastante deficiente.

    CB: ¿Cuáles son tus ideas en relación con el futuro del arte?

    GC: El arte, como siempre ha sucedido, va a evolucionar. No sé cómo, pero lo hará. Se continuará creciendo, cambiando, madurando. Sólo en el último siglo se han producido enormes innovaciones. No me atrevo a imaginar lo que será dentro de otros cien. Pero el mío es un punto de vista positivo al respecto.

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    “M00n” – Giacomo Carmagnola©
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    “Lava rules everything around me” – Giacomo Carmagnola©
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    “CALIGULA” – Giacomo Carmagnola©
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    “Church fire” – Giacomo Carmagnola©

    CB: ¿Qué es eso que has tenido que aprender por tu propia cuenta y que te gustaría «pasar» a la siguiente generación de creativos?

    GC: Sin arrogancia me atrevo a decir que todo lo que aprendí lo aprendí solo, sin seguir consejos ni guías. Y según la manera en la que crecí en la vida fui capaz de crear las cosas que hago. O tal vez lo hice sobre la base de la experiencia. Desde las más cotidianas hasta las más importantes.

    En mi opinión todo el mundo debería sentirse libre de expresar lo que siente. No importa si está en una hoja de papel, en una pared o en photoshop; realmente no importa.

    Tienes que dejarte llevar. No detenerte demasiado en lo que haría una persona X, o un artista Y.

    Tal vez eso es lo que he aprendido: Crear sin limitar el pensamiento creativo.

    #creemosenelasombro

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    ¿Te gustaría conocer más acerca de la obra de Giacomo Carmagnola? Mira AQUÍ.

    Puedes leer también la entrevista original (en inglés) AQUÍ.

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