Etiqueta: Ilustración

  • SANTIAGO CARUSO – LO SINIESTRO…

    SANTIAGO CARUSO – LO SINIESTRO…

     

    En este punto ya no cuenta ninguna «incertidumbre intelectual»: ahora sabemos que no se nos quiere presentar el producto de la fantasía de un loco, tras el cual, desde nuestra superioridad racionalista, pudiéramos discernir el estado de cosas positivo; y sin embargo. . . Ese esclarecimiento en nada ha reducido la impresión de lo ominoso.

    Sigmund Freud


    Es lo que vuelve lo que me preocupa…

    Lo que regresa cuando no se le está esperando.

    Lo que irrumpe sin ser invitado.

    La angustia primitiva que viene -de algún modo- a jugar un rato con la poca sensatez que nos queda. Y lo que queda de nosotros es entonces el pobre espanto sin nombre. El ojo siniestro que nos observa sutilmente desde los rincones más oscuros de la memoria. Allá donde no queremos ir.

    Santiago Caruso artist painter illustrator from Argentina surreal drawings nightmarish paintings
    “Cynopolis” – Santiago Caruso©
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    “The Vessel” – Santiago Caruso©
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    “Spectral House” – Santiago Caruso©
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    “From Below” – Santiago Caruso©

    Volvemos siempre -ya de noche- a contemplar con horror el abismo en el que se ha convertido un pasado que no se calla.

    Una sombra que rechina, que cruje los huesos, que tiene todos los rostros y ninguno.

    Recuerdo -si- cargar un recipiente de cristal con las entrañas aún tibias de mi padre.

    Tenía que llevarlas a enterrar, calle arriba, en el cementerio de mi pueblo.

    O regalárselas a quien las quisiera; a cualquiera que las necesitara para algún familiar en estado terminal.

    Fue una pesadilla espantosa…

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    Santiago Caruso artist painter illustrator from Argentina surreal drawings nightmarish paintings
    “Golpe a Golpe” – Santiago Caruso©
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    “Hunger” – Santiago Caruso©
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    “House of windows” – Santiago Caruso©

    Pero es eso precisamente lo que vuelve; y ante lo cual no queda remedio sino espanto. El horror mudo de quien no puede nada contra los fantasmas de su pasado.

    Lo siniestro, que no tiene nombre sino muecas de angustia. Lo que no tiene nombre sino gritos que nadie escucha…

    No se puede obligar a una obra a decir lo que nunca ha dicho. Pero no se puede negar, sin embargo, que hay algo familiar -algo a lo que sin embargo queda muy difícil darle un nombre- en las maravillosas piezas de horror concebidas por el artista argentino Santiago Caruso.

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    Volvemos siempre -ya de noche- a contemplar con horror el abismo en el que se ha convertido un pasado que no se calla.

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    “La Condesa sangrienta” – Santiago Caruso©
    Santiago Caruso artist painter illustrator from Argentina surreal drawings nightmarish paintings
    “La condesa sangrienta” – Santiago Caruso©

    Volvemos siempre -ya de noche- a contemplar con horror el abismo en el que se ha convertido un pasado que no se calla.

    Lo que habita en ellas es el espanto. Lo que se reprime sin éxito porque no termina nunca de regresar. De modularnos desde nuestras más oscuras pesadillas su propio nombre, oscuro e indescifrable.

    Santiago Caruso nos regala obras de un asombro y un horror absoluto. Cercanas -de algún modo- al trabajo de Francis Bacon, Giger y el propio Fuseli, sin caer en la repetición ni el cliché, toca las fibras de un horror que cargamos con nosotros, que llevaremos siempre en nuestros ojos hasta que venga por fin la Parca a cerrarlos definitivamente…

    Lo innombrable. Lo siniestro. Lo ominoso. Eso que alguna vez el mismo Freud intentó descifrar…

    Santiago Caruso artist painter illustrator from Argentina surreal drawings nightmarish paintings
    “Maharal of Prague” – Santiago Caruso©
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    “The smile of Hiroshima” – Santiago Caruso©
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    “Throne of Chaos” – Santiago Caruso©

    Y es precisamente lo que vuelve. Lo que de día, a la luz de la razón, rechazamos por ponernos demasiado cerca del abismo incontrolable de la psicosis. De la locura. De lo azaroso e impredecible. La anarquía de un horror al que nuestra conciencia ha puesto a dormir en los desvanes, en los sótanos más oscuros de nuestro ser…

    Y es eso lo que no deja de hacer un ruidito molesto, incómodo. Un murmullo sordo que, ya en las noches, vuelve a nosotros como un mar furioso a reclamar nuestra cordura.

    La obra de Santiago Caruso es hermosa porque viene a darle nombre a nuestra cobardía…

    Al triste miedo que nos hace esclavos de lo que ocultamos.

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    Santiago Caruso artist painter illustrator from Argentina surreal drawings nightmarish paintings
    “Virus of submission” – Santiago Caruso©

    Lo que habita en ellas es el espanto. Lo que se reprime sin éxito porque no termina nunca de regresar. De modularnos desde nuestras más oscuras pesadillas su propio nombre, oscuro e indescifrable.

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    “Virus of submission” – Santiago Caruso©

    Lo que habita en ellas es el espanto. Lo que se reprime sin éxito porque no termina nunca de regresar. De modularnos desde nuestras más oscuras pesadillas su propio nombre, oscuro e indescifrable.

    De aquellos secretos inconfesables que, a fuerza de mantenerse ocultos, han venido a desbordarse hasta las límites de una angustia incomprensible.

    Si, nuestros fantasmas seguirán ahí, aullándonos sin pausa ni prisa hasta que algún día logremos -por fin- mirarlos a los ojos…

    #creemosenelasombro

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    Visita el sitio web de Santiago Caruso para conocer más de su obra Aquí

     

    Autor: @Un_Tal_Cioran

    NOTA: “Bifrontal Editores” no es dueña de las imágenes aquí mostradas. Éstas sólo se usan con fines informativos para nuestra revista digital (revistabifrontal.com). Los créditos respectivos son debidamente anotados con el nombre del autor o autores, propietarios de todos los derechos.

  • KAZUKI TAKAMATSU – «SPIRAL OF EMOTIONS»

    KAZUKI TAKAMATSU – «SPIRAL OF EMOTIONS»

     

    Mi herida existía antes que yo; he nacido para encarnarla.

    Joe Bousquet


    No se puede ser mendigo de la tragedia.

    El acontecimiento trágico; lo que sucede por encima de la «voluntad» y la sobrevuela, no puede ser visto como un ave carroñera que viene a arrebatarnos la poca felicidad que este mundo nos entrega. La poca que, a veces, podemos también arrebatarle…

    Kazuki Takamatsu Spiral of emotions ghostly paintings translucent gouache layers mysterious illustrations hologram like female characters
    Kazuki Takamatsu©
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    Kazuki Takamatsu©
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    Kazuki Takamatsu©

    En toda tragedia subyace siempre una especie de heroísmo. Un destino que no se quiere definir a sí mismo como justo o como injusto; merecido o inmerecido.

    El hombre trágico – el sujeto trágico, que puede ser también toda una civilización, una cultura de la trágico-  tendrá que entender que es casi obligatorio escoger entre estar a la altura de su propio acontecimiento, o caer en el lastimero fango de la autocompasión.

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    Kazuki Takamatsu©
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    Kazuki Takamatsu©
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    Kazuki Takamatsu©

    Japón -como nación y como cultura- conoce muy bien el significado del desastre. Han sabido moldear las caídas más hondas hasta el punto extremo de la estetización de su propio destino.

    Han visto muy de cerca los abismos más tristes de la condición humana, y han tenido que padecerlos en carne propia
    levantándose siempre con un estoicismo radical.

    Y sin embargo, los embates más oscuros resultan ser los más imperceptibles. La carga más liviana termina siendo precisamente el veneno más artero…

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    Kazuki Takamatsu Spiral of emotions ghostly paintings translucent gouache layers mysterious illustrations hologram like female characters
    Kazuki Takamatsu©

    Su obra está atravesada por una especie de preocupación ante el riesgo latente de ver a Japón convertido en una mueca banal de Occidente.

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    Kazuki Takamatsu©

    Su obra está atravesada por una especie de preocupación ante el riesgo latente de ver a Japón convertido en una mueca banal de Occidente.

    Japón vive hoy, con asombro y desasosiego, una nueva generación que no se quiere ya japonesa, sino occidental…

    Y es tal vez esa tristeza la que su misma cultura no tenía presupuestada. El espanto más imprevisto ha sido verse
    colonizados por una cultura a la que siempre despreciaron. Mirarse a sí mismos -a sus jóvenes- deslumbrados por el penoso brillo de una cultura que sobrevive artificialmente en la mera superficie de su mascarada.

    Y es ahí donde se comprende entonces la extraña diferencia entre el desastre y la tragedia…

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    Kazuki Takamatsu©
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    Kazuki Takamatsu©
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    Kazuki Takamatsu©

    Japón ha sabido reponerse siempre de sus desastres -Hiroshima y Nagasaki, por ejemplo- pero ante su propia tragedia -el temido  riesgo de perder su identidad, de convertirse en Gaijin, extranjeros de sí mismos- se sabe radicalmente desprotegido.

    Kazuki Takamatsu compone esta inquietud frente a la extraña desconexión cultural entre las viejas y las nuevas generaciones de su país. La rebelión suicida de sus jóvenes, que ahora parece que no se despojan de su vida por viejas cuestiones de honor -como en el cine de samurais- sino como síntoma de una sociedad fracturada que ha perdido su lugar en el mundo. Que ve nublado su propio destino y no ha sabido muy bien donde trazar la línea divisoria entre Japón y Occidente.

    La visión de una pubertad deslumbrada por los torpes brillos de la «pop-culture» -atravesada también por la guerra, la muerte y la autodestrucción- y enmarcada en un punto que media entre el sueño y la pesadilla.

    Kazuki Takamatsu Spiral of emotions ghostly paintings translucent gouache layers mysterious illustrations hologram like female characters
    Kazuki Takamatsu©
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    Kazuki Takamatsu©

    La visión de una pubertad deslumbrada por los torpes brillos de la «pop-culture» -atravesada también por la guerra, la muerte y la autodestrucción- y enmarcada en un punto que media entre el sueño y la pesadilla.

    Recopilamos algunos trabajos de sus colecciones “Spiral of Emotions” y “Japanese Ideology of Puberty” y alcanzamos a entender, medianamente y desde nuestra percepción netamente occidental, que su obra está atravesada por una especie de preocupación ante el riesgo latente de ver a Japón convertido en una mueca banal de Occidente.

    La visión de una pubertad deslumbrada por los torpes brillos de la «pop-culture» -atravesada también por la guerra, la muerte y la autodestrucción- y enmarcada en un punto que media entre el sueño y la pesadilla.

    Esa -nos parece- es la inquietud que refleja su obra. Y esa es también, de alguna forma, la cuestión que parece dejarle a su propio país: «No ser indignos de lo que nos sucede».

    #creemosenelasombro

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    También puedes encontrar información interesante sobre su trabajo aquí

    NOTA: “Bifrontal Editores” no es dueña de las imágenes aquí mostradas. Éstas sólo se usan con fines informativos para nuestra revista digital (revistabifrontal.com). Los créditos respectivos son debidamente anotados con el nombre del autor o autores, propietarios de todos los derechos.

  • JOURNEY – LA SOBRECOGEDORA BELLEZA DE LO SIMPLE

    JOURNEY – LA SOBRECOGEDORA BELLEZA DE LO SIMPLE

     

    Lo que más embellece al desierto -dijo el principito- es el pozo que oculta en algún sitio…

    El Principito – Antoine de Saint-Exupéry


    Porque el hogar de todo extranjero es el camino… El viaje que no termina. La rueda de un Samsara interior donde uno acaba convirtiéndose en sus recuerdos. En la gente que amó. Los lugares donde fue feliz. Las fotografías en las que reposa -tranquilamente- «el otro» que alguna vez fuimos, y que tal vez -contemplado un plazo infinito- volvamos a ser algún día…

    Es cierto, Journey es el viaje. Pero no se trata de cualquier viaje.

    Y es cierto también que se trata de un juego. Pero no cualquier juego.

    No hay «peligros», ni enemigos (salvo los que lleves a cuestas, contigo).

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    ¿A quién podrías hablar en el desierto, que también eres tú?

    Journey video game by thatgamecompany for ps4 review beautiful amazing artistic illustrations desert fantasy imagination
    “Journey” – ThatGameCompany©
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    “Journey” – ThatGameCompany©

    ¿A quién podrías hablar en el desierto, que también eres tú?

    Está el desierto, el inconmensurable. La simple belleza de la arena, la única que ha visto (tal vez también el mar) el lugar donde nace el viento.

    No hay diálogos… ¿A quién podrías hablar en el desierto, que también eres tú?

    Sólo estás tú. Y el desierto. Y la montaña inmensa, clavada en algún punto asombrosamente remoto. Lejano, inalcanzable -como algunos sueños-.

    Journey representa, tal vez, la impresionante evolución de los juegos de vídeo elevados al terreno del arte. De la belleza sobrecogedora. De la conmovedora simpleza de una idea que no pretende únicamente entretener.

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    “Journey” – ThatGameCompany©

    Journey parece haber sido diseñado, pensado y creado para protagonizar una búsqueda interior. Para darle voz a ese viaje que todos llevamos por dentro.

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    “Journey” – ThatGameCompany©

    Journey parece haber sido diseñado, pensado y creado para protagonizar una búsqueda interior. Para darle voz a ese viaje que todos llevamos por dentro.

    Journey es, ante todo, una experiencia -probablemente como ninguna otra experiencia de juego que hayas tenido anteriormente-. La experiencia de tu propio viaje…

    Journey parece haber sido diseñado, pensado y creado para protagonizar una búsqueda interior. Para darle voz, y de alguna manera vida, a ese viaje que todos llevamos por dentro.

    Como bien dicen sus creadores

    Desarrollamos juegos artesanales, ampliamente accesibles, en busca de los límites del entretenimiento interactivo. Respetamos a nuestros jugadores y queremos contribuir significativamente a enriquecerlos mediante propuestas que les inspiren.
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    “Journey” – ThatGameCompany©
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    “Journey” – ThatGameCompany©
    Desarrollamos juegos artesanales, ampliamente accesibles, en busca de los límites del entretenimiento interactivo. Respetamos a nuestros jugadores y queremos contribuir significativamente a enriquecerlos mediante propuestas que les inspiren.
    Y luego está la música. Ese «pequeño» tesoro que no viene a ser solamente una banda sonora más. En Journey no hacen falta diálogos ni grandes espectáculos porque a tu lado, caminando junto a ti, está la música. Como si se tratara del único personaje -aparte de ti mismo- fatigando las inacabables arenas del desierto.

    Existen asombros ante los cuales uno parece minúsculo. Journey es uno de ellos.

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    Como si se tratara de una suerte de espejo metafísico, Journey nos devuelve la imagen de un Samsara interminable… La rueda de las reencarnaciones que deviene infancia (juegos, asombro, inquietud y descubrimiento) y luego juventud (alegrías, rebeliones, miedos, expectativas y deseos), pasando por las crudas y simples realidades de la edad adulta (profesiones, empleos, cuentas por pagar) para llegar finalmente a la vejez (el «lugar» de la quietud del alma y el cuerpo).

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    “Journey” – ThatGameCompany©

    No importa realmente cuántas eternidades sean necesarias. Journey es un «juego» para dejar a un lado la indiferencia. Para jugar al asombro y dejarse ganar la partida…

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    “Journey” – ThatGameCompany©

    No importa realmente cuántas eternidades sean necesarias. Journey es un «juego» para dejar a un lado la indiferencia. Para jugar al asombro y dejarse ganar la partida…

    De alguna forma, Journey nos recuerda también ese extraño ascenso hacia «La montaña mágica». El viaje hacia alturas remotas donde el signo por excelencia es el cambio. La mutación transformadora:

    “Cuando miro hacia atrás, retrospectivamente, me parece, si me comprendo bien, que me hallo aquí desde no sé cuanto tiempo, y tengo la impresión de que para volver al instante en que llegué aquí (…) es preciso remontarse a toda una eternidad”

    Thomas Mann – La montaña mágica

    No importa realmente cuántas eternidades sean necesarias… Journey es un «juego» para dejar a un lado la indiferencia. Para no ser uno de esos condenados a la triste rutina de ser «sólo ellos». Para jugar al asombro y dejarse ganar la partida…

    #creemosenelasombro

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    Autor:  @Un_Tal_Cioran

    NOTA: “Bifrontal Editores” no es dueña de las imágenes aquí mostradas. Éstas sólo se usan con fines informativos para nuestra revista digital (revistabifrontal.com). Los créditos respectivos son debidamente anotados con el nombre del autor o autores, propietarios de todos los derechos.

  • MONEY ART – LA SUB-VERSIÓN DEL «PEQUEÑO» ARTE

    MONEY ART – LA SUB-VERSIÓN DEL «PEQUEÑO» ARTE

     

    El perfil del desheredado, del proletario, ha ido adoptando, sin que nos hayamos dado cuenta, unos rasgos diferentes de los de antes: El mundo vuelve a estar lleno de figuras de pasión. Son los expulsados, los proscritos, los ultrajados, los despojados de su patria y de su terruño, los empujados por la brutalidad de las simas más hondas. Ahí es donde están las catacumbas de hoy; y no se las abre por el mero hecho de hacer que los desheredados voten de cuando en cuando de qué manera quieren que la burocracia administre su miseria.

    La emboscadura – Ernst Junger.


    Crear es, ante todo, resistir…

    Resistir la cosificación, la manipulación mediática, el «olvido indiferente» -imperceptible- de las maquinarias del poder.

    Crear es salir, a patadas si es necesario, del triste fango de la maquinaria. De la insufrible cárcel sin barrotes del bienestarismo.

    Plantarse firmemente en oposición a la marginalización. Pronunciar el grito contra todos los protocolos, contra todas las políticas que nos quieren sumisos, normalizados. Producto «estándar» del «welfare nightmare»…

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    Donovan Clark "Money Art" graphic designer painter illustrator subversive contemporary art pop culture icons drawn on paper bills
    «Money Art» – Donovan Clark©

    ¿Por qué llevas puesto ese estúpido traje de hombre?

    Donovan Clark "Money Art" graphic designer painter illustrator subversive contemporary art pop culture icons drawn on paper bills
    «Money Art» – Donovan Clark©

    ¿Por qué llevas puesto ese estúpido traje de hombre?

    Leyendo acerca del proyecto «Money art», del artista, docente e ilustrador Donovan Clark, surgieron varios interrogantes frente al papel, si bien no del Arte (el gran arte, con mayúsculas; el que habita museos empolvados y oficinas de coleccionistas y multinacionales) tal vez si del arte (con minúsculas). El callejero.

    Ese que, aunque aún resiste, tal vez aspira algún día a verse cooptado por la insufrible maquinaria de museos, curadores, inversionistas, especuladores y hasta críticos de folletín.

    Porque también es cierto que toda resistencia -toda revolución- sobrevive hasta que se hace víctima de su propia leyenda. Hasta que alcanza un nombre (y un status). Hasta ese momento en el que por fin naufraga bajo su propio peso y los grandes sistemas (omnívoros y brutales) terminan por asimilarla como si sólo fuera «another brick in the wall»…

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    El «Welfare State» significa la culminación del capitalismo y el surgimiento del «Homo Consumens», un nuevo individuo que tiene un papel fundamental como motor de la rueda de producción-consumo, como consumidor insaciable, insatisfecho y alienado, que demanda bienes de consumo nuevos, artificiales y absolutamente innecesarios

    Enrique T. Galván

    Donovan Clark "Money Art" graphic designer painter illustrator subversive contemporary art pop culture icons drawn on paper bills
    «Money Art» – Donovan Clark©
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    «Money Art» – Donovan Clark©
    El «Welfare State» significa la culminación del capitalismo y el surgimiento del «Homo Consumens», un nuevo individuo que tiene un papel fundamental como motor de la rueda de producción-consumo, como consumidor insaciable, insatisfecho y alienado, que demanda bienes de consumo nuevos, artificiales y absolutamente innecesarios

    Enrique T. Galván

    Pero eso lo sabemos de sobra. Ya no somos la hermosa ingenuidad del «Mayo del 68». Nosotros no representamos, precisamente, «la imaginación al poder».

    Nosotros somos, de alguna forma, una generación de emboscados. Los indignados de las redes sociales… Los inconformes de la pantalla táctil y el teclado virtual…

    Sin embargo, todavía resistimos. Estamos aquí tratando de reinventarnos. De darnos un espacio en medio de un mundo siempre hostil.

    Y de eso se trata todo esto precisamente.

    No hace falta (como ya lo hemos dicho muchas veces) que el «pequeño arte» se ajuste a los cánones inmortales de la grandeza (aunque también es cierto que existe tal grandeza). Pero nos interesa igualmente la pequeña creación. La que pasa a veces desapercibida. La que no tiene cabida en grandes publicaciones y de la cual no se ocupan los especialistas más renombrados.

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    Donovan Clark "Money Art" graphic designer painter illustrator subversive contemporary art pop culture icons drawn on paper bills
    «Money Art» – Donovan Clark©

    Pobres aquellos que jamás han disfrutado del arte. A ellos les pertenece la miseria…

    @Un_Tal_Cioran

    Donovan Clark "Money Art" graphic designer painter illustrator subversive contemporary art pop culture icons drawn on paper bills
    «Money Art» – Donovan Clark©

    Pobres aquellos que jamás han disfrutado del arte. A ellos les pertenece la miseria…

    @Un_Tal_Cioran

    Ahí hay también una noción de «lo que resiste». Lo que subsiste al embate silencioso y mortal del «profit».

    Donovan Clark nos trae una pequeña muestra de eso que todavía resiste en nosotros. «Money art» representa el conatus de lo que no se conforma y sale en busca de una manera distinta de mirar, entender, y reinterpretar el mundo. De buscarle otra vuelta de tuerca. De tomar sus propias armas y resignificarlas. Despojarlas de todo simbolismo y transformarlas en su caricaturización.

    «Money art» es una muestra (tal vez simple y hasta ligera) de lo que se ríe ante la imperturbable seriedad de los predicadores del «Crash financiero». De los especuladores. De los corruptos.

    Si eres lo suficientemente subversivo como para escribir en los billetes de banco, entonces considéralo un acto revolucionario. El dinero pasa de mano en mano. Los ricos, los pobres, independientemente de su color de piel, creencias, ideas, sentimientos, miedos, esperanzas. El dinero es nuestro lobo, nuestro canal, nuestra prisión, nuestro maestro, nuestra triste ilusión de libertad. Nuestro enemigo común.

    Movimiento «Montre ton indignation sur les billets de banque»

    Donovan Clark "Money Art" graphic designer painter illustrator subversive contemporary art pop culture icons drawn on paper bills
    «Money Art» – Donovan Clark©
    Donovan Clark "Money Art" graphic designer painter illustrator subversive contemporary art pop culture icons drawn on paper bills
    «Money Art» – Donovan Clark©
    Si eres lo suficientemente subversivo como para escribir en los billetes de banco, entonces considéralo un acto revolucionario. El dinero pasa de mano en mano. Los ricos, los pobres, independientemente de su color de piel, creencias, ideas, sentimientos, miedos, esperanzas. El dinero es nuestro lobo, nuestro canal, nuestra prisión, nuestro maestro, nuestra triste ilusión de libertad. Nuestro enemigo común.

    Movimiento «Montre ton indignation sur les billets de banque»

    «Money art» viene a ser, también, una mueca de sarcasmo y una especie de denuncia en contra de la manipulación de todas las maquinarias del poder (político, armado, religioso, económico, y así sucesivamente en un largo etcétera).

    Sobrevivirá la resistencia (el pequeño o el gran arte) hasta que perdure en nosotros la imaginación. Las ganas de seguir creando y resistiendo.

    Y como ya lo dijimos alguna vez: Pobres aquellos que jamás han disfrutado del arte. A ellos les pertenece la miseria…

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    «Money Art» – Donovan Clark©
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    «Money Art» – Donovan Clark©
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    «Money Art» – Donovan Clark©
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    «Money Art» – Donovan Clark©

    #creemosenelasombro

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    ¿Te gustaría conocer más del proyecto «Money Art»? Visita algunas de las redes sociales de Donovan Clark:

    Instagram, Deviant-Art, Tumblr o Blogger

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  • «FIGHT CLUB 2» – EL REGRESO DE TYLER

    «FIGHT CLUB 2» – EL REGRESO DE TYLER

     

    Tú no eres tu trabajo. No eres el dinero que tienes en el banco. No eres el auto que conduces. No eres el contenido de tu billetera. No eres tus malditos pantalones. Eres la mierda obediente del mundo.

    Tyler Durden



    «Fight Club 2» – ¡Genial! ¿no crees?

    Chuck Palahniuk (escritor) y Cameron Stewart (ilustrador) recrean la secuela de nuestro viejo conocido (Tyler Durden) 10 años después del «final» de una historia que marcó a toda una generación.

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    “Fight Club 2” – DarkHorse Comics©
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    “Fight Club 2” – DarkHorse Comics©
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    “Fight Club 2” – DarkHorse Comics©
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    “Fight Club 2” – DarkHorse Comics©

    Fight Club – Nuestra generación «perdida»

    “Fight Club” representa el grito de guerra de una generación cansada de su propia ingenuidad. ¿Quién no va a estar hastiado de darse golpes contra el muro de lo real?

    Nosotros, la generación más preparada de la historia y paradójicamente la peor pagada. La generación de la incertidumbre. La generación del desempleo. La generación de los “okupas” porque no nos alcanza ni para la renta. La generación de la angustia, porque se esperaba demasiado de nosotros. Nosotros, la caricatura de “Mayo del 68” trasladada a las redes sociales.

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    fight-club-tyler-durden-chuck-palahniuk-movie-comics-dystopian-surreal-social-criticism-mental-break-psychosis-schizophrenia-multiple-personalities-disorder
    “Fight Club 2” – DarkHorse Comics©
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    “Fight Club 2” – DarkHorse Comics©
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    “Fight Club 2” – DarkHorse Comics©

    Solo cuando perdemos todo…

    No hemos encontrado ninguna salvación; desde ninguna orilla política, religiosa o corporativa han venido a darnos una mano, a decirnos que vale la pena conservar la esperanza o la ilusión. Que hay un mañana y que en ese mañana no se van a repetir los errores ni los horrores a los que nos hemos visto sometidos por la guerra, la injusticia o la discriminación.

    Nos han mentido -si-. La política, la religión y las grandes multinacionales nos han prometido el cielo y todos sus tesoros y a cambio de nuestra ingenuidad no hemos recibido más que el siniestro zarpazo de la desilusión.

    Nos han mentido -si- y ya nos tienen encabronados…

    Disfruta las imágenes. Y no lo olvides: «Solo cuando perdemos todo, somos libres de hacer lo que queramos»

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    “Fight Club” – Raj Khatri©
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    “Fight Club 2” – DarkHorse Comics©
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    “Fight Club 2” – DarkHorse Comics©

     

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  • «LOVING VINCENT» – POR SUPUESTO…

    «LOVING VINCENT» – POR SUPUESTO…

     

    No se suicidó en un ataque de locura… Por el contrario, acababa (…) de descubrir qué era y quién era él mismo, cuando la conciencia general de la sociedad, para castigarlo por haberse apartado de ella, lo suicidó.

    Van Gogh, el suicidado por la sociedad – Antonin Artaud


    Quien ha intentado alguna vez comunicar alguna pasión, por simple o miserable que parezca, se ha visto fracasar rotundamente en el intento. Bien porque su interlocutor es incapaz de comprenderlo, o bien porque (sucede muchas veces) ponerse a uno mismo en palabras es una tarea abismal.

    Pero aquí estamos…

    Compartimos una suerte de pasión desquiciada por la obra de nuestro querido pelirrojo holandés; y nosotros mismos no sabríamos explicar muy bien los motivos.

    El uso del color -podrían decir algunos- su vida «triste» o su genial producción artística -dirán otros-. Las pinceladas, los trazos, el contraste frenético, los cipreses que parecen llamaradas, los alucinantes cielos nocturnos.

    «Dreams» de Akira Kurosawa, fue mi primer contacto con Van Gogh. Era un niño todavía y no podía creer lo que estaba viendo.


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    Caí sin remedio ante el abismo de semejante belleza. Sentí miedo, curiosidad, intriga y asombro. Sobre todo asombro.

    Pasaron muchos años antes de enterarme -por azares que ahora no recuerdo- que la melodía que me había atormentado (y ante esto vale la pena hacer la salvedad de que, por ejemplo, solía sentir un terror desconocido cada vez que escuchaba el inicio de la Quinta Sinfonía de Beethoven) durante «el sueño» que Kurosawa le dedica a Van Gogh, había sido compuesta por Chopin.

    Al cabo de la «vejez» llegué a tomarle mucho cariño. De alguna forma, esa melodía representaba un momento crucial de mi vida.

    Significaba un acercamiento definitivo a la obra del pelirrojo.

    Representaba un encuentro radical ante el cual ya había sucumbido sin remedio.

    Implicaba -ahora lo entiendo- un cariño desquiciado por la obra del «loquito sin oreja».

    Y así sucesivamente…

    Lo más extraño es, tal vez, compartir esa misma obsesión con tantas personas. Diseñadores, artistas visuales, fotógrafos, cineastas, ilustradores y personas que han encontrado en Van Gogh una especie de devoción. Una manera de condenarse «tranquilamente» a su propia sensibilidad.

    Luca Agnani (artista italiano experto en videomapping) es uno de estos «atormentados» de la belleza.

    Recientemente aplicó varias técnicas propias del diseño 3D para realizar un tesoro visual en el que algunas de las más hermosas pinturas de nuestro querido holandés -casi literalmente- cobran vida.


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    Y así, la fiebre «Vincent» ha seguido expandiéndose en las manos de creativos que cada vez parecen llevar «más allá» esta desquiciada obsesión compartida. Breakthru Studio, tras una labor intensa y agotadora -han trabajado en este proyecto por más de 8 años- lograron darle vida, sonido y movimiento al mismísimo Van Gogh en un largometraje que esperamos ansiosamente.

    Disfruta los breves destellos de lo que promete ser un magnífico trabajo.


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    #creemosenelasombro

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    Visita el sitio web de Luca Agnani Studio (¡realmente es brutal!) AQUÍ

    Visita también el sitio web de Breakthru Studios AQUÍ

     

    Autor: @Un_Tal_Cioran

    NOTA: “Bifrontal Editores” no es dueña de las imágenes aquí mostradas. Éstas sólo se usan con fines informativos para nuestra revista digital (revistabifrontal.com). Los créditos respectivos son debidamente anotados con el nombre del autor o autores, propietarios de todos los derechos.